MATERIAL DE
ESTUDOS
ARTES-TOTALIDADE-8
ArteGótica
O estilo Gótico surgiu na
França, durante a Idade Média, com a construção da catedral de Saint-Denis, e
se espalhou rapidamente pela Europa, é identificado como a Arte das Catedrais,
e fortaleceu o movimento cruzadista e o papel da Igreja na sociedade.
O termo
Gótico vem da palavra “godos” e foi utilizada pelos italianos renascentistas,
que consideravam a Idade Média como a idade das trevas, época de bárbaros, no
entanto, atualmente, o termo já não expresso mais o sentido depreciativo que
lhe fora impresso no passado. A principal expressão da arte gótica foi à
arquitetura, representada pelas construções
de
imponentes igrejas, que levava em torno de 300 anos para ficarem prontas. Então
as cidades começavam a nascer ao redor das catedrais, por conta do elevado
número de trabalhadores envolvidos na obra. A escultura gótica
desenvolveu-se paralelamente à arquitetura das Igrejas, procurando expressar o
ideal de beleza da divindade.
Aarquitetura
Uma das características da arquitetura veio da arte etrusca (natural de Toscana
Itália), por meio do uso da abóbada nas construções. Essas
estruturas diminuíram a utilização das colunas gregas e aumentaram os espaços
internos no final do século I d.C., Roma havia superado as influências
desenvolvendo criações próprias.
Os templos tinham uma arquitetura diferente: no pórtico de entrada, havia
uma escadaria, as laterais se diferenciavam da entrada e não tinham a mesma
simetria (forma e posição relativas de partes situadas em lados opostos).
Para fugir da inspiração (idéia ou pensamento que surgem de repente) grega os
romanos criaram templos, valorizando os espaços interiores, como exemplo:
O Panteão,
(Templo em que os gregos e os romanos consagravam todos os deuses), em Roma,
construída durante o reinado do Imperador Adriano. Ele é o primeiro
templo pagão (burro) ocupado por uma igreja cristã, devido a sua estrutura
arquitetônica.
Escultura
Na escultura, os romanos eram muito diferentes dos gregos em alguns aspectos.
Apesar de apreciarem a arte, eles não representavam o ideal de beleza, mas
a cópia fiel das pessoas, buscando retratar traços particulares. Um
exemplo disso é a estátua do imperador romano, Augusto numa cópia do Doríforo
(uma da mais conhecida escultura da antiguidade) dos gregos, o artista detalhou
as feições reais do Imperador, a couraça e as capas romanas. Essa preocupação
também foi encontrada em relevos esculpidos, pois eles buscavam representar
acontecimentos e pessoas que participaram dele. Ex.
Coluna de
Trajano: construída no século I da era cristã, apresenta a luta do
imperador romano com os exércitos romanos na Dácia.
Coluna de
Marco Aurélio: construída um século depois, retrata a vitória dos romanos
sob um povo da Alemanha do Norte.
A
influência da arte romana veio da cultura etrusca, arte popular que
retratava o cotidiano e da cultura Greco, expressando o ideal de beleza, em
diferentes regiões da Itália. Sua civilização surgiu por meio de lendas e
mitos.
Sem dúvida,
os romanos contribuíram muito com a arte, tendo um espírito prático e apto para
construir teatros, templos, casas, aquedutos, etc. No início do século III,
eles começaram a enfrentar lutas internas, por causa da entrada dos povos
bárbaros (povo que habitava a região da Europa situada além das fronteiras do
Império). A preocupação com a arte diminuiu e no século V, o Império Romano
entra em decadência e é dominado pelos invasores germânicos. (os bárbaros).
ARTE
CONTEMPORANEA PORTINARI-TOTALIDADES 8, 9
As pessoas
não compreendem a arte contemporânea. E muitas ainda torcem o nariz para
ela, sem ao menos entendê-la. Até os próprios artistas a subestimam e a
depreciam, dizendo que qualquer coisa hoje em dia é arte. Claro que não estou
generalizando.
É certo que tem muita coisa esquisita, no sentido de que não tem um conceito ou
uma poética ao menos razoável. E nem uma beleza plástica visual. Sempre se fez
arte segundo os parâmetros da sociedade da época. A arte sempre foi fruto dos
acontecimentos contemporâneos; desde a Idade Antiga. Não poderia ser diferente
atualmente. Até mesmo num mundo tão conturbado quanto o atual, onde tudo
acontece muito rápido, a efemeridade é por vezes comum e vários acontecimentos
passam como um turbilhão sobre os outros; sem que sequer tenhamos tempo para
compreendê-los ou percebermos. Hoje a forma de fazer arte é tão vasta, que às
vezes se pensa que não há mais nada a fazer, ou que qualquer coisa é
considerada arte. E as pessoas ainda estão muito vinculadas com a arte
clássica; renegando, por muitas vezes, outras formas de expressões artísticas.
Cabe ao artista fazê-la ser entendida, tem de haver o diálogo
entre artista, obra e público. Hoje existe este diálogo. Apesar de ainda não
ser suficiente. E isso tem feito da arte novas formas de ser entendida e
feita. O problema maior é o desinteresse
do público em geral pela arte; as pessoas não freqüentam mais as galerias, os
museus como antigamente! A cultura principalmente baiana está vinculada ao
pagode de baixa qualidade, falemos a verdade; e aos programas sensacionalistas
da TV!! (É o que as classes mais baixas têm como estilo de vida: pagode, bar,
TV, trabalho (mal-remunerado) para depois gastar com tudo isso) e pronto! É
realmente muito triste tudo isso. Como artista sempre me questiona o que devo
fazer para tornar a arte mais próxima ao público. Principalmente ao público em
que nem sabe o que é arte!! É preocupante e assustador.
Vejo que
tudo parte da educação mesmo. E uma educação doméstica como ponto de partida.
Acredito que o público deixou de ter estes hábitos saudáveis de visitar
galerias, museus e outras formas de expressões artísticas; porque querem algo
imediato e fácil. E isso já acontece há muito tempo! A evolução tem se dado de
forma escandalosamente rápida; tudo é muito imediato, as pessoas buscam
respostas rápidas aos seus prazeres, querem que tudo seja realizado hoje,
agora; a internet tornou as pessoas mais digitais que pessoais; e elas não
"perdem tempo" para contemplar o belo, para curtir um pôr do sol,
para conversar com os amigos sobre quaisquer assuntos; para sentir; esse é o
termo. Sentir. As pessoas não param o seu tempo para desacelerar e sentir.
No que tange centrar-se e olhar para dentro. Parar um pouco. Tudo o que
realmente tem valor está se tornando indiferente por conta deste
imediatismo.
A arte contemporânea
é construída não mais necessariamente com o novo e o original, como ocorria no
Modernismo e nos movimentos vanguardistas. Ela se caracteriza principalmente
pela liberdade de atuação do artista, que não tem mais compromissos
institucionais que o limitem, portanto pode exercer seu trabalho sem se
preocupar em imprimir nas
suas obras um determinado cunho religioso ou político. Os artistas nunca
tiveram tanta liberdade criadora, tão variada recursos materiais em suas mãos.
As possibilidades e os caminhos são múltiplos, as inquietações mais profundas,
o que permite à Arte Contemporânea ampliar seu espectro de atuação, pois ela
não trabalha apenas com objetos concretos, mas principalmente com conceitos e
atitudes. Refletir sobre a arte é muito mais importante que a própria arte em
si, que agora já não é o objetivo final, mas sim um instrumento para que se
possa meditar sobre os novos conteúdos impressos no cotidiano pelas velozes
transformações vivenciadas no mundo atual.
Leia o
texto e assinale as alternativas corretas:
1-De acordo
com o texto a arte contemporânea está caracterizada pela:
a)
Liberdade de cada artista se expressar.
b) Nos movimentos modernistas, por
exemplo...
c) A arte
contemporânea é construída com o original. d) Caracterizo com movimentos
vanguardas.
2-O artista
contemporâneo pode trabalhar com:
a)
objetivos e reflexão b) analise
e desejos c) conceitos e
atitudes d) apenas atitudes
3-Vejo que
tudo parte da educação mesmo. E uma educação doméstica como ponto de partida.
Acredito que o público deixou de ter estes hábitos saudáveis de visitar
galerias, museus e outras formas de expressões artísticas; porque querem algo
imediato e fácil. Este parágrafo está afirmando que uma boa educação começa...
a) na
escola b) na igreja c) na comunicação d) na família
4-O
problema maior é o desinteresse do público em geral pela arte; as pessoas não freqüentam
mais as galerias, os museus como antigamente! A cultura principalmente baiana
está vinculada ao pagode de baixa qualidade, falemos a verdade; e aos programas
sensacionalistas da TV! (É o que as classes mais baixas têm como estilo de
vida: pagode, bar, TV, trabalho (mal-remunerado) para depois gastar com tudo
isso) e pronto! É realmente muito triste tudo isso. Este parágrafo está
afirmando que o publico que visita galerias de artes é:
a) classe
baixa b) classe alta c) media e alta d) todas as classes
Cândido
Portinari
Cândido Portinari foi um dos pintores
brasileiros mais famosos. Este grande artista nasceu na cidade de
Brodowski (interior do estado de São Paulo). Destacou-se também nas áreas de
poesia e política.
Durante sua
trajetória, ele estudou na
Escola de Belas-Artes do Rio de Janeiro; visitaram muitos países, entre
eles, a Espanha, a França e a Itália, onde finalizou seus estudos.
No ano de 1935 ele recebeu uma
premiação em Nova Iorque por sua obra "Café".
Deste momento em diante, sua obra passou
a ser mundialmente conhecida.
Dentre suas obras,
destacam-se: "A Primeira Missa no Brasil", "São Francisco
de Assis" e Tiradentes". Seus retratos mais
famosos são: seu auto-retrato, o retrato de sua mãe e o do famoso
escritor brasileiro Mário de Andrade.
No dia seis de fevereiro de 1962, o
Brasil perdeu um de seus maiores artistas plásticos e aquele que, com sua obra
de arte, muito contribuiu para que o Brasil fosse reconhecido entre outros
países. A morte de Cândido Portinari teve como causa aparente uma
intoxicação causada por elementos químicos
presentes em certas tintas.
Características
principais de suas obras:
- Retratou questões sociais do Brasil;
- Utilizou alguns elementos artísticos
da arte moderna europeia;
- Suas obras de arte refletem
influências do surrealismo, cubismo e da arte dos muralistas mexicanos;
- Arte figurativa, valorizando as
tradições da pintura.
Foi reconhecidamente um dos mestres
da arte do século XX. É considerado um dos artistas mais
famosos e versáteis de todo o mundo, tendo criado milhares de trabalhos, não
somente pinturas, mas também esculturas e cerâmica, usando, enfim, todos os tipos de
materiais. Ele também é conhecido como sendo o co-fundador do Cubismo, junto com Georges Braque.
Nasceu na cidade de Málaga, em Andaluzia, região da Espanha, e recebeu o nome completo
de Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios
e outros.
Tarsila do Amaral foi uma pintora e desenhista brasileira e uma das figuras centrais da pintura brasileira e
da primeira fase do movimento modernista brasileiro. Seu pai herdou a
fortuna e diversas fazendas, onde Tarsila e seus sete irmãos passaram a
infância. Desde criança, fazia uso de
produtos importados franceses e foi educada conforme o gosto do tempo.
Sua mãe passava horas ao piano e contando
histórias dos romances que lia às crianças. Tarsila do Amaral estudou em São
Paulo no Colégio
Sion. E completou os
estudos em Barcelona, na Espanha.
Tarsila se uniu a Oswald de Andrade e
o casal viajou por Portugal e Espanha. De volta a Paris, estudou com os
artistas cubistas, conheceu Pablo
Picasso e tornou-se amiga do pintor Fernand Léger, visitando a academia desse
mestre do cubismo, de quem Tarsila conservou, principalmente, a técnica lisa de
pintura e certa influência do modelado legeriano..
Fases Pau-Brasil e Antropofagia
Em 1924, em meio a uma
viagem de "redescoberta do Brasil" com os modernistas brasileiros e
com o poeta franco-suíço Blaise Cendrars, Tarsila
iniciou sua fase artística “Pau-Brasil”, dotada de cores e temas acentuadamente
tropicais e brasileiros, onde surgem os "bichos
nacionais"(mencionados em poema por Carlos Drummond de Andrade), a exuberância da fauna e da flora brasileira, as
máquinas, trilhos, símbolos da modernidade urbana.
Tarcila realizou sua primeira
exposição individual, na Galeria Percier, em Paris. Em seguida Tarsila pinta
o Abaporu, cujo nome de
origem indígena significa "homem que come carne humana", obra que
originou o Movimento
Antropofágico,
idealizado pelo seu marido. O Abaporu é o quadro mais importante já produzido
no Brasil Tarsila pintou o quadro para dar de presente para o escritor Oswald
de Andrade, seu marido na época. Quando ele viu a tela, assustou-se e chamou
seu amigo o também escritor Raul Bopp. Ficaram olhando aquela figura estranha e
acharam que ela representava algo excepcional.
Foi aí que Osvald escreveu o Manifesto
Antropófago e criaram o Movimento Antropofágico com a intenção de ”deglutir” a
cultura européia e transformá-la em algo bem brasileiro. Abaporu é um quadro em
pincel sobre tela da pintora brasileira. Hoje, é a tela brasileira mais
valorizada no mundo, tendo alcançado o valor de US$ 1,5 milhão, pago pelo
colecionador argentino Eduardo Costantini.
La belleza, todo su historia.
Ahora que la belleza está más de
moda que nunca (o eso es lo que parece mirando las revistas), no nos vendrían
nada mal reflexionar un poco sobre este tema, porque la belleza no es solo algo que se ve, sino también un
concepto. ? Qué es lo bello? ? Quién
decide lo que es bello? Esta es una pregunta que nos debemos hacer. Por de
pronto, la belleza no es algo inmutable; cambia con las culturas o las épocas.
Todos recordamos las mujeres de Rubens,
blancas y llenas, tan distintas a las flacuchas minifalditas de los años
sesenta. Y así, podemos hacer mil comparaciones.
En Egipto ya existían decálogos
(conjunto de normas), de belleza femenina y masculina, no tan distintos a los
que predominan hoy. Entonces se buscaba que la figura tuviera una apariencia
divina: talla esbelta, ojos grandes, labios carnosos, piernas delgadas (ellas)
espaldas anchas (ellos). En fin...Cleopatra tendría ahora mucho éxitos embargo esta idea de belleza se
fue transformando: en el mundo clásico
de Grecia y Roma se buscaba la harmonía, la combinación; pero en la Edad
Media la belleza empieza a variar, y se
pone de moda el cabello rubio (hasta entonces, siempre había sido negro), el
rostro alargado, casi gótico, los labios
finos y los senos pequeños...
En el Renacimiento, como bien
sabemos, se vuelve a mirar hacia Grecia en todo, incluso en la belleza. Y luego
ya, en el Barroco, es cuando se revoluciona
este concepto y lo que gustan son esas mujeres carnosas-que tan bien
refleja Rubens en el cuadro Las Tres Gracias, de 1639.
Escrito
por José María Guzmán
1-Este
texto fala de:
a)
antiguidade b) beleza c) Idade Média d) modelos
2-Em que
época começou a variar a questão de gosto pela beleza?
a) Idade
Média b) Renascimento c) Idade
Antiga d) Contemporânea
3-Antes das
mulheres loiras, no mundo clássico eram usados cabelos...
a)
ruivo b) grisalho c) castanho d) preto
4-De acordo
com o primeiro parágrafo podemos afirmar que:
a) A beleza
não está no todo. b) A beleza
depende de cada um.
c) A beleza é um conceito. d) A beleza é relacionada a
elegância.
5-O
trabalho de Rubens era direcionado a um estilo de mulheres...
a)
morenas-magras b) brancas-gordas c) loiras-magras d) morenas-gordas
6-No Egito
já existia na época normas diferente, das que predominam hoje... por isso eram
procurada mulheres...
a) magras
pernas finas, olhos e lábios grandes.
b) gordas pernas finas e olhos grandes
c) franzinas
com pernas grossas e olhos pequenos
d) magríssimas com pernas finas e olhos pequenos
PAUL
CÉZANNE-PINTOR FRANCÊS-TOTALIDADE 9
Cézanne, filho ilegítimo de um rico banqueiro, nasceu na França em
1839. Quis ser artista desde a infância, porém seu pai desaprovava. O medo da
insegurança - por ser adotado - e o medo de seu autoritário pai, o perseguiram
por toda a vida. Mas aos 22 anos conseguiu ir para Paris estudar arte e
conviver com artistas. Era um jovem com grandes momentos de depressão e seus
sentimentos de baixa-estima o levaram a destruir muitas de suas obras. Era
desesperado por ser aceito na elite artística de Paris. Assim voltou mais tarde
para sua. Ao lado de seu grande amigo Émile Zola tornou-se ativamente político
e revolucionário. Dizia que o artista é um mero gravador de percepções
sensoriais e que poderia revolucionar a pintura apenas com uma maçã... De fato,
suas naturezas mortas são grandiosas pela espontaneidade dos tons. Com o tempo sua pintura
tornou-se simplificada ao ponto de ser reduzida a limites quase geométricos,
quase cubistas, conseguindo efeitos de perspetiva apenas pelo uso da cor.
Cidade Aix-en-Provence. Mas em 1862 retornou à Paris para viver como artista. O
próprio Cézane definia seu estilo como arquitetônico; ele dava ao corpo uma
abstração natural, não queria nada além de superfícies e volumes pictóricos,
segundo o russo Malevitch sobre seu quadro Os Banhistas, enchia a tela com
volumes e cor, superaCézane levou tempo para ser aceito e reconhecido no mundo
das artes, e quase nada vendeu em vida. Quando suas obras foram rejeitadas pelo
Salão de Paris, Cézanne foi consumido por uma intensa depressão, mas desta vez
perseverando.
Em 1863,
numa exibição alternativa – Salón des Refusés, Cézane expôs ao lado de outros
artistas, também rejeitados, como Édouard Monet, Camille Pissarro e Henri
Fantin-Latour. Vinte anos mais tarde, a primeira de suas obras foi aceita pelo
Salão de Paris.
Suas primeiras obras eram tristes, sombrias e
melancólicas, porém seu estilo mudou na década de 1870, quando se apaixonou por
Hortense Fiquet – 19 anos, e com ela teve um filho. Também se ligou aos
impressionistas. Mas sempre pensava em algo mais sólido e durável.
Em 1874,
embora não se considerasse um impressionista, apresentou suas obras com o
grupo. Foi influenciado pela arte flamenca, pintando naturezas mortas com as
cores usadas pelos artistas flamencos.
Em 1886
ficou muito magoado com seu amigo Émile Zolá (amigos desde o collêge Borbon –
1852) pela semelhança do personagem do seu romance L'Oeuvre, contando a
história de um artista fracassado... Nesse mesmo ano casa-se com Hortense da
qual nasce seu filho.
Ao saber de
sua família, seu pai reduz muito a ajuda financeira; porém é ajudado
pelo amigo e escritor Émile Zolá o qual mais tarde vendo o luxo em que Zolá
vivia, Cézanne fica desconcertado e afasta-se do amigo. Seu pai morre pouco
depois lhe deixando uma fortuna considerável. Mais tarde volta a morar em Aix
enquanto sua família fica em Paris.
Sucedem,
após, várias exposições o qual vende seus quadros alcançando preços muito bons.
Em 15 de outubro, diabético, adquire pneumonia vinda a falecer.
Segundo
Pablo Picasso: Meu primeiro e único mestre, Cézane foi um pai para todos
nós.
Foi ousada
no uso da cor, perspectiva inovadora, preocupava-se com formas geométricas e
fazia um perfeito intercâmbio entre luz e sombra.
Suas
primeiras obras eram tristes, sombrias e melancólicas, porém seu estilo mudou
na década de 1870, quando se apaixonou por Hortense Fiquet – 19 anos, e com ela
teve um filho. Também ligou-se aos impressionistas. Mas sempre pensava em algo
mais sólido e durável.
Em 1874,
embora não se considerasse um impressionista, apresentou suas obras com o
grupo. Foi influenciado pela arte flamenca, pintando naturezas mortas com as
cores usadas pelos artistas flamencos.
